Komposisi mungkin merupakan aspek penciptaan seni yang paling diabaikan. Itu juga salah satu aspek terpenting untuk menjadi benar. Jika komposisi Anda lemah, maka pekerjaan Anda juga lemah. Bahkan jika Anda memiliki rentang nilai penuh, proporsi Anda benar, dan Anda telah menggunakan medium sebagai master – jika komposisi Anda tidak direncanakan dan dieksekusi dengan baik, maka karya seni Anda dapat dianggap sebagai kegagalan.
Syukurlah, komposisi adalah salah satu hal yang bisa kita selesaikan dengan sedikit perencanaan dan pengetahuan. Itu tidak membutuhkan “bakat” dan itu pasti bukan tentang “menebak”. Ada beberapa “aturan” yang dapat kita pertimbangkan ketika kita merencanakan pekerjaan kita sehingga kita bisa sukses setiap saat.

Apa itu Komposisi dalam Seni?

Jelas ada lebih banyak lagi untuk menciptakan karya seni yang sukses di luar pembuatan tanda dan penguasaan sedang. Komposisi kami memainkan peran penting dalam bagaimana pekerjaan kami dilihat dan dialami oleh audiens kami.

Tetapi sebelum kita mendefinisikan komposisi dalam hal seni, mari kita lihat subjek terkait.

Jika Anda seorang musisi, maka Anda tahu bahwa karya musik juga dapat disebut sebagai “komposisi”. Ada struktur untuk sebuah lagu. Setiap musisi memainkan “bagian mereka”. Jika seorang musisi bermain pada waktu yang salah atau memainkan nada yang salah, maka lagu tersebut akan berantakan. Setiap bagian dibuat dengan hati-hati agar lagu itu menjadi yang terbaik. Dalam beberapa lagu, gitar mungkin memiliki lebih banyak bagian dan mendominasi lagu. Di yang lain, itu mungkin piano.

Kita dapat membandingkan analogi musik ini dengan seni. Sama seperti lagu, setiap karya seni yang kita buat memiliki struktur (atau harus memiliki struktur). Sebagai seniman, kami merencanakan struktur ini dan melaksanakannya saat kami menciptakan seni.

Jika kami tidak merencanakan elemen yang kami sertakan dengan hati-hati, karya seni kami dapat menjadi berantakan.

Jadi ketika menyangkut seni, komposisi adalah penataan elemen-elemen di dalam ruang gambar (atau ruang tiga dimensi dengan patung). Penempatan dan pengaturan elemen-elemen dalam sebuah karya memengaruhi bagaimana pemirsa berinteraksi dengan apa yang kita buat.

Sama seperti dengan lagu, kemungkinannya tidak terbatas. Kami memiliki kebebasan kreatif total tentang bagaimana kami mengatur elemen-elemen dalam karya kami. Tetapi meskipun kemungkinannya tidak terbatas, itu tidak berarti bahwa kita dapat mendekati komposisi dengan pendekatan yang serampangan tanpa perencanaan. Kita harus menyusun komposisi kita, sama seperti komposer yang terampil.

Dalam beberapa karya, elemen tertentu mungkin mendominasi. Dalam yang lain, elemen yang berbeda mungkin mendominasi. Namun, kami harus selalu memastikan bahwa kami tidak memiliki terlalu banyak elemen yang bersaing untuk mendapatkan perhatian. Dalam sebuah lagu, kami tidak berharap memiliki solo gitar, solo piano, dan solo drum semua terjadi pada saat yang sama. Dalam sebuah karya seni, kami juga tidak akan mengharapkan semua elemen yang kami sertakan bersaing untuk mendapatkan perhatian.

Sebaliknya, kita harus memusatkan perhatian penonton kita pada satu atau dua elemen dalam adegan itu. Elemen-elemen ini menjadi titik fokus. Semua elemen lain dalam pekerjaan kemudian menjadi anggota pemeran pendukung.

Menciptakan Focal Points

Titik fokus adalah area atau area dalam adegan yang memerintahkan perhatian visual pemirsa. Dalam kebanyakan kasus, titik fokus termasuk subjek utama. Setiap karya seni harus memiliki setidaknya satu titik fokus.

Titik fokus harus dibatasi. Dalam banyak kasus, hanya satu titik fokus yang diperlukan. Anda dapat memiliki lebih dari satu titik fokus, tetapi angka di atas tiga akan sulit dilakukan. Jika pekerjaan Anda memiliki lebih dari satu titik fokus, maka harus ada satu yang mendominasi yang lain. Dengan kata lain, harus ada satu titik fokus utama dan mungkin titik fokus pendukung atau sekunder.

Titik fokus dapat dibuat dalam sebuah karya menggunakan berbagai teknik. Teknik-teknik ini termasuk …

• Kontras
• Isolasi
• Penempatan
• Konvergensi
• Unusal

Sekarang, mari kita lihat secara singkat setiap teknik untuk membuat titik fokus.

Kontras

Penawaran kontras dengan perbedaan. Ini bisa berupa perbedaan dalam nilai, warna, tekstur, ukuran, dll. Ketika kami memasukkan area dengan kontras yang kuat, itu menarik mata pemirsa ke lokasi itu dalam pekerjaan dan menciptakan titik fokus.

Isolasi

Jika Anda pernah mendapat masalah sebagai seorang anak dan guru menempatkan Anda di sudut, maka Anda tahu apa isolasi semua tentang. Ketika Anda dikirim ke sudut, setiap anak di kelas menatap Anda. Sungguh hukuman yang mengerikan!

Ketika kita mengisolasi subjek atau elemen dalam gambar atau lukisan, maka elemen ini secara alami memerintahkan perhatian dan menjadi titik fokus.

Penempatan

Kami secara visual ditarik ke pusat bentuk. Jika kita menganggap bidang gambar karya kita sebagai bentuk seperti persegi panjang, maka kita dapat mengharapkan pemirsa kita ditarik ke tengah. Jika kita menempatkan subjek dekat atau tepat di tengah bidang gambar kita, maka subjek ini menjadi titik fokus.

Meskipun teknik ini berfungsi untuk menciptakan titik fokus yang kuat, biasanya bukan teknik terbaik untuk membuat komposisi yang merangsang secara visual. Ketika kita menempatkan subjek di tengah pekerjaan, hasilnya biasanya statis dan membosankan. Lebih baik menempatkan subjek sedikit di tengah, atau lebih baik lagi – di salah satu pertiganya. Lebih jauh tentang itu sebentar lagi.

Konvergensi

Konvergensi mengacu pada tindakan memandu mata penonton dalam sebuah karya menggunakan isyarat visual. Ini mungkin garis, bentuk, warna kontras, dll. Setiap elemen yang kami sertakan dapat memandu pandangan penonton ke titik fokus. Terkadang, kita tertarik pada suatu area dalam sebuah karya hanya karena sang seniman telah memanipulasi elemen untuk memaksa perhatian kita pada area tertentu. Kita juga bisa melakukan ini!

Tidak Biasa

Apa pun yang tidak biasa memerintahkan perhatian kita. Dengan cara yang sama, apa pun yang kami sertakan dalam pekerjaan kami yang tidak diharapkan atau secara drastis berbeda dari elemen-elemen lain dalam adegan akan menjadi titik fokus.

Menciptakan titik fokus yang didefinisikan adalah penting dalam menciptakan komposisi yang kuat, tetapi ada lebih dari itu. Kami juga harus mempertimbangkan beberapa prinsip desain.

Prinsip-prinsip Desain dalam Komposisi Artistik

Prinsip-prinsip desain berhubungan dengan penataan unsur-unsur seni dalam pekerjaan. Unsur-unsur seni adalah komponen dasar atau blok bangunan penciptaan seni.

Anda dapat mempelajari lebih lanjut tentang unsur-unsur seni dan prinsip-prinsip desain di sini …

Unsur Seni
Prinsip-prinsip Desain
Delapan prinsip desain adalah …

• Keseimbangan
• Proporsi
• Gerakan
• Irama
• Harmoni
• Kesatuan
• Tekanan
• Variasi

(Beberapa spesialis seni juga memasukkan kontras sebagai sebuah prinsip. Tetapi karena kontras dapat menciptakan penekanan, kebanyakan orang mengabaikannya dari daftar delapan.)

Tidak semua prinsip desain secara langsung memengaruhi komposisi kami, tetapi kebanyakan dari mereka melakukannya. Inilah yang lebih dekat dengan yang melakukan …

Keseimbangan

Dalam hal seni, keseimbangan mengacu pada distribusi keseluruhan berat visual dalam suatu komposisi. Setiap objek yang kami sertakan dalam sebuah karya memiliki bobot visual. Saat kami menambahkan elemen ke satu sisi komposisi kami, kami ingin menambahkan elemen lain atau beberapa untuk menyeimbangkan bobot visual di sisi lain.

Keseimbangan visual dapat dicapai dengan menambahkan elemen atau dengan menggunakan ruang negatif. (Lebih banyak tentang ruang negatif dan positif sebentar lagi.)

Kita dapat membandingkan keseimbangan dengan papan jungkat-jungkit atau jungkat-jungkit. Bayangkan kita memiliki satu benda besar (atau orang) di satu sisi jungkat-jungkit. Jungkat-jungkit tidak akan seimbang.

Tetapi, jika kita menambahkan beberapa objek berukuran sedang (atau orang) ke sisi lain jungkat-jungkit, kita mencapai keseimbangan. Jungkat-jungkit sekarang seimbang.

Jika sebuah karya tidak seimbang secara visual, mungkin terasa “berat”. Misalnya, jika kami memasukkan terlalu banyak berat visual di bagian bawah komposisi, berat akan menarik mata pemirsa ke bawah. Komposisi akan terasa meresahkan.

Tetapi jika kita melawan aksi bobot ini dengan satu atau dua elemen di bagian atas komposisi, maka itu menjadi lebih seimbang.

Kita juga harus menyadari bagaimana komposisi kita dipangkas karena ini juga dapat mempengaruhi keseimbangan.

Sering kali, kita akan memiliki elemen yang melampaui batas bidang gambar. Jika tepi elemen-elemen ini diposisikan sedemikian rupa sehingga mereka dekat dengan tepi bidang gambar, ini akan menciptakan bobot visual tambahan dan mungkin perhatian yang tidak diinginkan.

lihat gambar di bawah ini. Pada gambar di sebelah kiri, perhatikan bagaimana burung diposisikan terlalu dekat dengan tepi bidang gambar. Tepi cabang di bagian atas juga terlalu dekat dengan sisi kiri bidang gambar.

Pada gambar kedua, ada cukup ruang yang disediakan di kedua sisi bidang gambar untuk memberikan sedikit keseimbangan yang menghasilkan komposisi yang lebih baik.

Jika kita memposisikan subjek dalam karya kita sehingga ujung-ujungnya sedikit lebih jauh dari tepi bidang gambar atau melampaui batas bidang gambar, maka bobot visual ini diminimalkan.

Kita juga harus mempertimbangkan masing-masing tepi bidang gambar. Jika kita memiliki elemen yang memperpanjang bidang gambar di dua sisi, kita dapat membuat terlalu banyak beban visual di kedua sisi. Tetapi, jika kita membiarkan subjek memperluas bidang gambar pada keempat sisi, kita dapat membuat komposisi yang lebih seimbang.

Gerakan

Gerakan dapat merujuk pada ilusi gerakan aktual dalam sebuah gambar atau lukisan; atau itu bisa merujuk pada gerakan yang dilakukan mata pemirsa saat mengalami seni Anda. Dalam hal komposisi, kami paling peduli dengan yang terakhir.

Saat pengunjung berinteraksi dengan seni Anda, mata mereka bergerak dari satu elemen ke elemen lainnya. Biasanya elemen yang paling memerintah menuntut perhatian segera. Setelah itu, pemirsa dapat beralih ke elemen pendukung lainnya dalam adegan.

Sebagai seniman, kita dapat mengendalikan “gerakan mata” ini berdasarkan pada bagaimana kita merencanakan komposisi kita. Kita dapat membimbing pemirsa ke elemen yang paling penting dan berkali-kali, mengendalikan bagaimana kebanyakan orang akan “menelan” ciptaan kita. Dalam kebanyakan kasus, kami ingin mata pemirsa mengalir melalui karya di oder tertentu.

Tergantung pada subjeknya, urutannya mungkin terlihat seperti ini …

• Penampil tertarik ke dalam karya.
• Penampil dipandu ke titik fokus.
• Penampil dipandu ke elemen pendukung.
• Penampil dipandu keluar dari pekerjaan atau kembali ke titik fokus.

Gerakan visual ini biasanya dicapai dengan menciptakan kontras, garis pemandu, diagonal, dan elemen yang tumpang tindih.

Lihatlah pekerjaan di bawah ini. Ketika Anda memeriksanya, perhatikan bagaimana mata Anda bergerak melalui pekerjaan.

Mungkin mata Anda mengikuti rute yang sama seperti milik saya. Saya memasuki pekerjaan di bawah lembah, dekat sungai. Saya dipandu oleh barisan pohon yang lebih gelap ke tengah ruang gambar, lalu kembali ke hutan. Saya kemudian mengikuti barisan pohon, tepat di depan pegunungan yang jauh. Dari sana, saya dipandu kembali ke pusat.

Posisi elemen-elemen ini memungkinkan saya untuk melihat semua bagian penting dalam karya, sambil menghargai setiap bagian dari lukisan itu sendiri.

Kita dapat menggunakan teknik yang sama untuk memiliki sedikit kontrol tentang bagaimana penonton berinteraksi dengan seni kita. Meskipun kami tidak dapat sepenuhnya mengendalikan bagaimana orang akan melihat karya seni kami, kami dapat memiliki pengaruh terhadap pengalaman visual mereka.

Irama

Kami memahami ritme melalui pengulangan. Sebagai contoh, kita dapat mendengar ketukan lagu dan iramanya karena berulang – kali dengan cara yang dapat diprediksi. Tanpa pengulangan, tidak ada ritme.

Dalam seni, hal yang sama berlaku. Kita harus memiliki pengulangan agar memiliki ritme. Secara visual, ritme diciptakan oleh elemen berulang. Ini bisa berupa pola berulang yang teratur atau tidak teratur atau bisa juga merupakan pengulangan subjek tertentu. Either way, elemen berulang menghasilkan ritme.

Lihatlah lukisan di bawah ini. Perhatikan bagaimana ia memiliki rasa irama.

Ritme ini diciptakan melalui pengulangan. Kita bisa melihat di sini bagaimana bentuk yang dibuat untuk bilah bunga diulang …

Dan juga bentuk untuk bunga yang lebih kecil di sudut kiri atas …

Bentuk yang dibuat untuk iris tidak berbeda. Mereka juga mengulangi …

Elemen berulang dalam sebuah karya sering disebut sebagai “motif”. Memasukkan motif dalam pekerjaan Anda sering dapat menimbulkan rasa harmoni dan persatuan.

Mari kembali ke analogi musik. Sebagian besar lagu populer menampilkan ritme yang konsisten di seluruh lagu. Dinamika lagu mungkin berubah, tetapi tanda tangan waktu jarang berubah. Dan meskipun not dapat berubah secara drastis, ritme yang konsisten menyatukan lagu dari awal hingga akhir.

Karya seni kita harus memiliki konsistensi ini, yang menuntun kita ke prinsip-prinsip selanjutnya – harmoni dan persatuan.

Harmoni dan Persatuan

Komposisi seni kami juga harus harmonis dan bersatu. Kerukunan dan persatuan sangat erat kaitannya sehingga mudah diasumsikan bahwa mereka adalah hal yang sama. Mereka sangat mirip, tetapi masing-masing harus dipertimbangkan secara terpisah dalam komposisi kami.

Persatuan berhubungan dengan perasaan “kesatuan”. Ini biasanya dicapai dalam sebuah karya seni dengan menggunakan medium secara konsisten dan hingga tingkat penyelesaian. Kita juga bisa memikirkan persatuan dalam hal gaya artistik. Jika gaya dan penggunaan media secara konsisten digunakan dalam suatu karya dan karya itu terasa lengkap dan selesai, kita biasanya dapat mengatakan bahwa karya itu bersatu.

Persatuan juga dapat diciptakan dalam sebuah karya melalui penyederhanaan. Ini dapat dicapai dengan menyederhanakan bentuk, subjek, atau skema warna.

Pekerjaan di bawah ini bersatu dan harmonis karena sejumlah alasan. Cara yang paling jelas disatukan adalah melalui penggunaan warna.

Harris telah menyederhanakan skema warna dan sebagian besar menggunakan warna pelengkap merah dan hijau. Hijau sangat bersahaja, tetapi masih ada.

Harmoni membantu menciptakan persatuan dalam suatu karya. Sementara persatuan berurusan dengan karya seni secara keseluruhan, harmoni lebih berkaitan dengan bagian-bagian individual dari karya tersebut. Jika masing-masing bagian karya itu saling bekerja sama, maka karya seni itu dapat dianggap harmonis.

Cara lain untuk memikirkan hal ini adalah dengan mempertimbangkan keluarga. Sebuah keluarga terdiri dari anggota yang berbeda. Mari kita melihat keluarga dalam pengertian tradisional untuk analogi ini. Keluarga mungkin memiliki ayah, ibu, putra, dan putri. Setiap anggota keluarga berbeda dan merupakan pribadi unik mereka sendiri – tetapi keluarga tersebut masih merupakan satu kesatuan. Beberapa keluarga rukun satu sama lain, sementara yang lain tidak.

Kami dapat menciptakan harmoni dan persatuan dalam komposisi kami dengan …

Menggunakan media secara konsisten sepanjang pekerjaan.
Menyederhanakan bentuk, subjek, atau skema warna.
Menggunakan gaya yang konsisten sepanjang pekerjaan.
Memastikan pekerjaan muncul selesai.
Memastikan bahwa setiap bagian dari karya tersebut bekerja (dan masuk akal) dengan bagian lainnya.

Tekanan

Kami sering menggunakan penekanan untuk menentukan titik fokus atau titik-titik dalam suatu komposisi. Kami telah membahas beberapa cara seorang seniman dapat membuat titik fokus dalam sebuah karya. Masing-masing dari metode ini bergantung pada penekanan untuk keberhasilannya. Penekanan biasanya diciptakan dalam sebuah karya melalui beberapa bentuk kontras.

Lihatlah pekerjaan di bawah ini. Menurut Anda apa yang ditekankan?

Sebagian besar dari kita tertarik pada wanita di tempat kejadian, lebih khusus – ke wajahnya. Degas telah menarik perhatian kami padanya menggunakan beberapa metode. Sebagai permulaan, dia berlokasi di dalam bidang gambar. Ada juga kontras nilai yang kuat di sekitarnya. Perhatikan bagaimana pria di sebelahnya berpakaian hitam, sementara dia memakai pakaian putih. Bahkan ada bayangan cor gelap di dinding tepat di sebelah wajahnya yang terang.

Lalu ada garis konvergensi yang dibuat oleh tabel dan tepi belakang bangku.

Anda juga akan melihat bahwa wajah wanita itu memiliki lebih banyak detail dibandingkan dengan elemen lain dalam adegan itu. Ini juga membantu menarik mata pemirsa.

Semua karakteristik ini membantu memengaruhi cara kita berinteraksi dengan subjek.

Variasi

Seperti penekanan, variasi juga berkaitan dengan perbedaan. Gambar dan lukisan kami harus mencakup beberapa variasi.

Pertimbangkan makanan favorit Anda sejenak. Sekarang pikirkan seperti apa hidup ini jika Anda harus makan makanan favorit Anda untuk setiap makanan selama sisa hidup Anda. Untuk sarapan, makan siang, dan makan malam – Anda memiliki makanan favorit dan tidak ada yang lain. Ini mungkin luar biasa di hari pertama – tetapi setelah itu, Anda menjadi sangat lelah dengan makanan favorit Anda.

Kita dapat memikirkan karya seni kita dengan cara yang sama. Kami tidak ingin membuat pengunjung kami bosan dengan informasi visual yang sama. Sebaliknya, kita harus memasukkan beberapa variasi untuk membuat mereka tetap terlibat dan membuat karya seni kita lebih menarik.

Kuncinya di sini adalah menyeimbangkan harmoni dan variasi. Jika kita mengambil variasi terlalu jauh, pekerjaan itu kemungkinan tidak akan harmonis. Jika kita mengambil harmoni terlalu jauh, pekerjaannya mungkin kurang bervariasi.

Lihatlah gambar di bawah ini. Perhatikan berapa banyak varietas yang hadir …

Kandinsky telah menciptakan variasi dengan menggunakan berbagai warna, tetapi tetap menyatukan lukisan melalui penyederhanaan.

Ruang Positif dan Negatif

Ruang adalah salah satu dari tujuh unsur seni. Ketika kita memikirkan ruang, kita sering mempertimbangkannya dalam hal kedalaman atau ilusi kedalaman dalam sebuah gambar atau lukisan. Namun, ketika datang ke komposisi, kita dapat memikirkan ruang dalam hal ruang gambar aktual pada gambar atau permukaan lukisan.

Ruang yang diambil oleh subyek penting atau elemen desain dianggap ruang positif. Area yang mengelilingi lokasi ini dianggap ruang negatif. Seringkali, itu adalah ruang negatif yang menyediakan area “istirahat” untuk pemirsa.

Lihatlah gambar-gambar di bawah ini. Kami pertama kali melihat gambar asli di sebelah kiri. Di gambar tengah, ruang negatif disorot dengan warna merah. Pada yang ketiga, kita melihat ruang positif disorot dengan merah.

Ruang positif dan negatif bekerja bersama untuk menciptakan komposisi. Komposisi dapat terdiri dari sebagian besar ruang positif, keseimbangan yang seimbang dari keduanya, atau sebagian besar ruang negatif.

Gambar berikut menggambarkan komposisi yang sebagian besar terdiri dari ruang positif …

Berikut adalah contoh komposisi yang dibuat dari bagian yang sama dari ruang positif dan negatif …

Dan inilah yang sebagian besar terbuat dari ruang negatif …

Masing-masing komposisi ini berasal dari subjek yang sama dan masing-masing dapat dianggap “sukses”.

Penggunaan ruang positif dan negatif yang berhasil dalam komposisi bergantung pada keseimbangan. Bagaimana keseimbangan ini dicapai akan tergantung pada subjek, penggunaan medium, tingkat detail yang dimasukkan, kontras, dan faktor visual lainnya.

Cara terbaik untuk menciptakan keseimbangan dalam sebuah karya dan memastikan bahwa ruang positif dan negatif bekerja untuk kebaikan komposisi adalah melalui perencanaan yang cermat.

Merencanakan Komposisi Anda

Perencanaan mungkin merupakan aspek terpenting untuk menemukan kesuksesan dengan komposisi Anda. Sayangnya, ini adalah langkah yang dilewati kebanyakan orang.

Katakanlah Anda memutuskan untuk melakukan perjalanan ke tempat yang belum pernah Anda kunjungi sebelumnya. Tidak masuk akal untuk hanya mengemas tas Anda, naik mobil, dan pergi tanpa tahu bagaimana mencapai tujuan Anda. Anda kemungkinan akan melihat peta atau memasukkan tujuan Anda ke sistem navigasi Anda. Anda tidak akan pernah sampai di tujuan tanpa persiapan dan bimbingan.

Dengan cara yang sama, kita harus merencanakan komposisi kita sebelum kita mencoba untuk mengeksekusinya. Kita perlu tahu “ke mana kita pergi” dengan karya seni kita. Kita harus merencanakan hasil akhir sebelum kita berangkat untuk membuatnya. Kita dapat mengubah ide-ide kita sebagaimana kita bekerja jika kita mau, tetapi kita harus memiliki gambaran umum tentang seperti apa kita ingin pekerjaan yang sudah selesai sebelum kita menyelam.

Dengan perencanaan, kita dapat mengerjakan semua teka-teki komposisi yang digunakan untuk membuat karya seni yang kuat. Ketika kita melakukan ini, kita dapat fokus pada proses menggambar dan melukis yang sebenarnya karena sebagian besar keputusan kita mengenai komposisi telah dibuat.

Dalam kebanyakan kasus, perencanaan komposisi melibatkan pembuatan gambar kecil yang kurang detail. Gambar kecil ini sering disebut thumbnail atau sketsa awal. Thumbnail harus dibuat dengan cepat dan harus didekati dengan sikap percobaan. Semakin banyak thumbnail yang Anda buat sebelum memulai di permukaan akhir, semakin baik peluang Anda untuk menciptakan komposisi yang sukses.

Saat Anda membuat thumbnail Anda, terbuka untuk mencoba berbagai hal. Eksperimenlah dengan memposisikan subjek dan dengan keseimbangan ruang positif dan negatif. Pertimbangkan bagaimana mata pemirsa dapat bergerak melalui pekerjaan. Coba komposisi berbasis vertikal dan bandingkan dengan yang horizontal. Bereksperimenlah dengan berbagai warna. Buka pikiran Anda.

Sering kali, kita memiliki visi dalam benak kita tentang apa yang ingin kita ciptakan dan secara alami mengasumsikan bahwa visi inilah yang paling sukses. Namun dalam kebanyakan kasus, visi awal kami hanyalah “puncak gunung es”. Dengan sedikit lebih “menggali”, visi awal kami berkembang menjadi sesuatu yang jauh lebih sukses. Ini hanya terjadi ketika kita terbuka untuk eksperimen dan kita meluangkan waktu untuk merencanakan.

Rule of third

Aturan pertiga adalah teori komposisi yang didasarkan pada penempatan subjek dalam suatu komposisi. Ini didasarkan pada The Golden Mean, yang merupakan formula matematika yang berhubungan dengan hubungan proporsional. Karena Golden Mean cukup kompleks, sebagian besar seniman dan fotografer mengandalkan aturan pertiga untuk menciptakan efek serupa.

Begini cara kerjanya …

Mari kita mengambil komposisi dan membaginya dengan pertiga – baik secara horizontal maupun vertikal. Kita bisa membayangkan garis-garis yang membentang di sepanjang masing-masing pertiganya. Garis-garis ini berpotongan di empat lokasi dalam bidang gambar. Dengan menempatkan subjek atau titik fokus penting pada atau di dekat lokasi persimpangan ini, kami membuat komposisi yang lebih sukses secara estetis.

Perhatikan bagaimana Guillaumin memposisikan sosok itu hampir secara langsung pada salah satu poin ini.

Kami juga dapat membuat komposisi yang lebih dinamis dan menarik dengan menempatkan subjek langsung pada garis-garis ini.

Menciptakan Diagonal

Komposisi dapat bersifat dinamis atau statis. Komposisi statis cukup lurus ke depan dan langsung. Komposisi statis masuk akal untuk gambar informasi – seperti ilustrasi ilmiah. Sebaliknya, komposisi yang dinamis menciptakan rasa cerita yang lebih besar dan melibatkan penonton. Dalam kebanyakan kasus, kami ingin komposisi kami menjadi dinamis.

Komposisi dinamis dapat dibuat dengan memasukkan diagonal ke dalam karya. Diagonal ini dapat dibuat dengan garis dan bentuk aktual atau garis tersirat. Mereka juga dapat digunakan untuk membantu membimbing mata penonton melalui karya, seperti yang kita bahas sebelumnya.

Cari cara menarik untuk memasukkan diagonal dalam pekerjaan Anda. Ini mungkin berarti bahwa Anda mengubah sudut tempat pandang pemirsa. Alih-alih menggambar atau melukis subjek dari sudut pandang standar, pertimbangkan pemandangan dari atas atau bawah, atau bahkan dari sudut miring.

Angka Ganjil Lebih Baik

Ketika kami menyusun karya seni kami, kami juga harus mempertimbangkan jumlah subjek atau elemen yang kami sertakan. Pikiran manusia menemukan keseimbangan dalam jumlah ganjil. Angka yang paling optimal untuk digunakan adalah 3. Ini berarti bahwa jika Anda membuat kehidupan diam, yang terbaik adalah menggunakan 3 objek. Ini tidak berarti bahwa kita terbatas pada 3 objek. Kita bisa, tentu saja, memasukkan lebih banyak jika kita mau. Tetapi jika kita memasukkan lebih banyak, angka ganjil adalah yang terbaik.

Mari kita pertimbangkan sebuah gambar dengan dua objek. Dengan dua objek, tampaknya ada semacam persaingan visual antara keduanya. Sulit untuk menentukan subjek mana yang menjadi titik fokus.

Namun, ketika kami memasukkan sepertiga, dua subjek lainnya bertindak untuk membingkai yang ketiga, menghasilkan komposisi yang lebih seimbang.

Kesimpulan

Komposisi bukan “menebak”. Komposisi yang hebat bukanlah hasil keberuntungan dan tentu saja bukan tentang bakat. Ini tentang memahami bagaimana pemirsa akan berinteraksi secara visual dengan apa yang kita buat dan perencanaan yang cermat.

Kami sudah membahas cukup banyak di sini. Ini banyak informasi untuk direndam. Tetapi dengan mempraktikkan konsep-konsep ini dan memasukkannya ke dalam karya seni Anda, mereka secara bertahap akan menjadi intuitif dan komposisi Anda akan meningkat.

sumber : thevirtualinstructor.com