15 Lukisan Abstrak TerPopuler 2020!! Keren!

Dari asalnya di akhir abad ke-19 hingga hari ini, abstraksi telah terwujud selama bertahun-tahun. Ini adalah genre yang telah berevolusi luas, dan sekarang dapat dikategorikan dalam ratusan cara yang berbeda namun masih diklasifikasikan sebagai seni abstrak. Ini termasuk genre seperti Abstrak Ekspresionisme, Abstraksi Liris, Bidang Warna, Post-painterly Abstraction, dan bahkan Minimalisme, untuk beberapa nama.

Kekuatan abstraksi juga telah meresap ke dalam seni kontemporer dan masih memegang komando kuat pasar di galeri komersial dan rumah lelang hari ini. Dari kekacauan dari apa yang dikenal sebagai Abstraction-Création, kelompok yang dibentuk untuk menangkal pengaruh surealis, menjadi seniman abstrak terkemuka yang masih berlatih dalam genre saat ini, jelas bahwa genre ini akan bertahan bertahun-tahun yang akan datang.

Dalam artikel ini, kami telah menyusun 15 karya seni yang memiliki dan terus memberikan dampak signifikan pada genre seni abstrak:

Wassily Kandinsky, Composition X, 1939

Wassily Kandinsky, Composition X, 1939. Image courtesy of wassilykandinsky.net

Dikutip sebagai juara awal lukisan abstrak, Wassily Kandinsky tidak hanya seorang pelukis Rusia tetapi juga seorang ahli teori seni. Pengaruh yang dipelopori dan ditinggalkannya di dunia seni dan abstraksi sangat besar ketika ia ikut mendirikan kelompok seni Phalanx dan Kelompok Seniman Baru sesudahnya, menggelar pameran untuk orang-orang sezamannya selama bertahun-tahun sebagai seniman. Dia menghasilkan lebih dari 600 karya selama rentang karirnya, dengan lukisan 1913 yang mencapai rekor harga lelang $ 41,6 juta pada 2017.

Terlepas dari catatan yang mengesankan ini, karyanya yang paling signifikan bisa dibilang ‘Komposisi X’. Terakhir dalam seri ‘Komposisi’ sepanjang hidupnya, ia berusaha memuncak penyelidikannya pada kemurnian bentuk dan ekspresi melalui karya ini. Setelah menggunakan warna hitam dengan hemat dalam praktiknya hingga saat ini, telah dikritik bahwa karya ini menggugah kosmos dan juga kegelapan bayangan pertanda mendekati akhir hidupnya.

Piet Mondrian, Composition II in Red, Blue, and Yellow, 1930

‘Komposisi II dalam Merah, Biru, dan Kuning ‘ditandai titik balik halus untuk latihan Piet Mondrian. Berusaha untuk mencapai abstraksi lengkap, Mondrian percaya bahwa kemurnian universal dapat diekspresikan melalui ‘Neo-Plastisisme’, juga dikenal sebagai seni plastik. Dia mencari keseimbangan melalui karya-karyanya dan menulis secara luas tentang harmoni komposisi, dia meneliti penempatan warna, ukuran bentuk dan kualitas permukaan dalam karya-karyanya, semua dengan harapan mencapai ‘keheningan’ dalam karya-karyanya.

Pada titik tertentu dalam hidup Anda, Anda mungkin menemukan pekerjaan ini. Lukisan ini memantapkan dirinya sebagai salah satu status ikon selama paruh kedua abad ke-20 dan menembus melalui motif dalam budaya pop hari ini. Pada dasarnya, Mondrian telah melakukan eksekusi keseimbangan tertentu. Dengan garis-garis tebal yang kontras dengan kotak merah besar, kotak kuning kecil muncul dari bagian bawah pekerjaan, merah bertemu biru, menjadi jelas bahwa ada lebih dari memenuhi mata dengan bentuk-bentuk berwarna sederhana ini.

Joan Miro, Peinture (Etoile Bleue), 1927

Joan Miro, Peinture (Etoile Bleue), 1927. Image courtesy of The Observer. 

Meskipun terkenal sebagai seniman surealis, ‘Peinture (Etoile Bleue)’ adalah transisi Miro antara seni figuratif dan abstrak. Pada 2012, ‘Peinture (Etoile Bleue)’ memimpin Penjualan Malam Seni Impresionis & Modern Sotheby di London dan menghasilkan £ 23,5 juta, mencetak rekor bagi artis tersebut dan juga membuat lebih dari tiga kali harga yang dicapai lima tahun lalu.

Lukisan ini dikenal sebagai salah satu lukisan terpenting dalam karier Miro. Khususnya, biru hangus yang digunakan dapat dilihat digunakan dalam beberapa karya masa depannya dan bahkan sejauh mempengaruhi para pelukis seperti Mark Rothko dan Yves Klein.

Ben Nicholson OM, 1934 (Relief), 1934

Ben Nicholson OM, 1934 (Relief), 1934. Image courtesy of the Tate. 

Termotivasi oleh cara-cara di mana lukisan dapat mewakili ruang, Ben Nicholson menyimpang dari karya figuratif dan abstraknya yang diilhami oleh Post-Impresionisme dan Kubisme, terus bereksperimen dan menghasilkan relief abstraknya. Relief pahatan geometris abstrak ini mewujudkan kualitas buatan tangan yang kemudian dicat putih oleh Nicholson.

Pentingnya ‘1934 (Relief)’ berasal dari pengaruhnya, yaitu menjadi Piet Mondrian dan pematung Barbara Hepworth (yang saat itu kekasihnya). Transisi cepat dari lukisan abstrak sebelumnya ke relief ini mungkin terakreditasi untuk bertemu Mondrian setahun sebelum dibuat, bersama dengan sangat terinspirasi oleh abstraksionis lain seperti Joan Miro dan Alexander Calder.

Jackson Pollock, Convergence, 1952 

Jackson Pollock, Convergence, 1952. Image courtesy of jackson-pollock.org.

Selama 44 tahun singkat dalam hidupnya, Jackson Pollock melukis 363 lukisan yang mengesankan. Ia paling terkenal karena teknik tetesannya, dan banyak dari lukisan dinamis yang ia hasilkan ini telah membuat jejak mereka di dunia seni dan dapat dikatakan terkenal.

Namun, ‘Konvergensi’ mendapati dirinya naik ke puncak daftar. Ini mencontohkan perkembangan penting dan inovatif dalam sejarah seni lukis karena perwujudannya kebebasan berbicara dan kebebasan berekspresi. Pollock, melalui lukisan ini, mengungkapkan pemikiran tentang ancaman Komunisme dan perang dingin dengan Rusia. Telah digambarkan sebagai “segala sesuatu yang orang Amerika berdiri untuk semua dibungkus dalam paket yang berantakan tapi dalam”.

Pada tahun 1964 perusahaan teka-teki jigsaw merilis ‘Convergence’ sebagai puzzle 340-piece, mempromosikannya sebagai “teka-teki paling sulit di dunia”. Ribuan orang Amerika membeli ini, lebih lanjut menandai dampak Pollock pada negara.

Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952

Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Image courtesy of Guggenheim Bilbao. 

Di sela Abstrak Ekspresionisme dan lukisan bidang Warna terdapat lies Gunung dan Laut ’milik Helen Frankenthaler. Frankenthaler dirayakan karena teknik ‘noda rendam’ dengan ini menjadi karya pertama yang dibuat menggunakannya. Dalam teknik ini, Frankenthaler menipiskan catnya dengan terpentin atau minyak tanah, dan cairan yang dihasilkan akan diserap melalui kanvas-kanvasnya yang tidak berkrim. Noda ini akan meninggalkan aura yang memberinya rasa gerakan abadi.

Frankenthaler menjumpai lukisan hitam-putih Jackson Pollock di sebuah galeri di New York dan setelah itu mewujudkan proses yang lebih terbebaskan dengan praktiknya. Karya-karyanya yang abstrak, bergeser dan dengan perasaan yang hampir tembus pandang, memberikan ilusi kepada pemirsanya. Karya-karyanya yang ringan dan mengalir kontras dengan teknik impasto berat yang populer pada saat itu dan kemudian memengaruhi banyak seniman di sekitarnya.

Mark Rothko, White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), 1950

Mark Rothko, White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), 1950. Image courtesy of the New York Times. 

Sebuah nama rumah tangga untuk dunia seni abstrak, Mark Rothko menghasilkan banyak karya yang telah mendapatkan pengakuan. Kemasyhuran dan ketenaran utamanya berasal dari ‘White Centre (Yellow, Pink, dan Lavender on Rose) ketika dijual pada Mei 2007 oleh Sotheby atas nama David Rockefeller kepada keluarga Kerajaan Qatar sebesar $ 72,84 juta, yang merupakan rekor tertinggi karya seni mahal pasca-perang yang dijual di pelelangan.

1950 adalah tahun ketika Rothko mulai membagi kanvasnya menjadi pita-pita warna horizontal, membuat mereka tampak seolah-olah mengambang di depan bidang warna yang mereka tempati. Selama periode ini, ia berhasil mencapai melalui variasi halus berbagai gerakan dan suasana hati, dengan ‘Pusat Putih (Kuning, Merah Muda dan Lavender di Mawar) mencontohkan ambisi ini.

Gerhard Richter, Abstract Painting 599, 1986

Gerhard Richter, Abstract Painting 599, 1986. Image courtesy of gerhard-richter.com.

Gerhard Richter adalah seniman multidisiplin yang telah menghasilkan tidak hanya seni abstrak, tetapi juga lukisan fotorealistik, foto, dan karya kaca. Dianggap sebagai salah satu seniman kontemporer Jerman terpenting saat ini, karya-karyanya juga telah menetapkan beberapa rekor harga di pelelangan.

Dia mulai membuat lukisan abstrak di akhir 70-an, menyatakannya sebagai “model fiktif, karena mereka membuat nyata kenyataan bahwa kita tidak bisa melihat atau menggambarkan, tetapi yang keberadaannya dapat kita dalilkan.” Sementara ia membuat banyak lukisan seperti itu dalam kariernya, ‘Lukisan Abstrak 599’ terkenal karena merupakan salah satu favorit Richter. Itu kemudian dijual seharga $ 46 juta dolar kepada pembeli anonim pada 2015, menjadikannya lukisan termahal Richter sejauh ini.

Robert Motherwell, Elegy to the Spanish Republic, 1965-67

Robert Motherwell, Elegy to the Spanish Republic 108, 1965-67. Image courtesy of MoMA. 

Meskipun Robert Motherwell baru berusia 21 ketika Perang Saudara Spanyol pecah, kekejamannya sangat memengaruhi dia di tahun-tahun mendatang. Ini mengakibatkan dia menciptakan serangkaian lebih dari 200 lukisan sebagai tanggapan terhadapnya. Serial ‘Elegy to the Spanish Republic’ berfungsi sebagai ragam peringatan peringatan penderitaan manusia, serta “simbol abstrak dan puitis untuk siklus hidup dan mati yang tak terhindarkan.”

Tentang Elegies, Motherwell menyatakan bahwa, “Setelah beberapa periode melukis mereka, saya menemukan Hitam sebagai salah satu subjek saya — dan dengan hitam, putih yang kontras, perasaan hidup dan mati yang bagi saya cukup Spanyol. Mereka pada dasarnya adalah kulit hitam orang Spanyol yang dikontraskan dengan sinar matahari Matisse yang seperti cahaya. ”

Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962

Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962. Image courtesy of Christie’s.

Tak terlihat selama lebih dari 30 tahun, ‘Leda and the Swan’ datang ke pelelangan sebagai gambaran musim yang paling ditunggu-tunggu pada tahun 2017 dan dijual dengan harga lebih dari $ 52 juta. Sangat terinspirasi selama waktunya di Roma dan dengan afinitas keseluruhan terhadap peristiwa zaman kuno klasik, Cy Twombly menciptakan lukisan yang terkait dengan mitologi Romawi.

Judul karya ini menunjuk pada mitos Romawi di mana Jupiter telah berubah menjadi angsa, upaya untuk merayu Leda yang kemudian melahirkan Helen of Troy. Alih-alih menggambarkan sosok perempuan konvensional yang terjerat dengan angsa (seperti yang telah dieksekusi oleh seniman seperti Leonardo dan Michelangelo), Twombly mempersenjatai diri dengan gudang media campuran dan meronta-ronta kanvasnya. Twombly mewujudkan Jupiter di sini daripada menggambarkannya, mengeluarkan praktiknya di atas kanvas untuk menghasilkan karya yang sepenuhnya merangkum ini.

Famous Abstract Art in Asia 


Zao Wou-Ki, Juin-Octobre 1985, 1985

Zao Wou-Ki, Juin-Octobre 1985, 1985. Image courtesy of The National. 

Salah satu dari sedikit seniman Tiongkok yang kariernya telah naik ke tingkat global, beberapa dekade terakhir telah menyaksikan pemberontakan popularitas untuk karya-karya abstrak Zao Wou-Ki. Pada Penjualan Malam Seni Modern Sotheby pada 30 September 2018, ‘Juin-Octobre 1985’ Zao diperkirakan dijual seharga $ 45 juta, dan kemudian melampaui ini secara dramatis dengan harga palu sebesar $ 65 juta.

Triptych monumental ini adalah yang sangat langka yang telah ditugaskan oleh arsitek terkenal saya M. Pei untuk Raffles City di Singapura. Baik Zao dan Pei adalah teman dekat dan mengembangkan persahabatan yang akan bertahan selama lebih dari 60 tahun. Di Raffles Place, lukisan ini dipajang bersama karya-karya seniman terkenal seperti Ellsworth Kelly dan Kenneth Nolan.

Chu Teh-Chun, Autumn, May 1, 1978

Chu Teh-Chun, Autumn, May 1, 1978. Image courtesy of China Daily.

Musim gugur, 1 Mei oleh Chu Teh-Chun diklasifikasikan sebagai karya mani karena memamerkan seluruh langkah artis ke ranah abstraksi. Cemerlang menyeimbangkan kontras antara gelap dan terang, melalui karya inilah Chu yang paling menonjol menyampaikan unsur-unsur kuat estetika Cina.

Chu, bersama dengan Zao Wou-Ki dan Wu Guanzhong dijuluki salah satu dari “tiga penembak” yang berhasil membawa seni Tiongkok ke era modern dengan mendapatkan pengakuan internasional. Chu pindah ke Paris pada 1950-an di mana ia mengubah gayanya dari figurasi menjadi abstraksi. Selama masa transisi ini, ia memadukan coretan klasik kaligrafi Cina dengan palet warna Barat. Evolusi artistik ini membuatnya sukses, membuatnya menjadi etnis Tionghoa pertama yang diundang untuk bergabung dengan Akademi Seni Rupa Prancis.

Christine Ay Tjoe, Small Flies and Other Wings, 2013

Christine Ay Tjoe, Small Flies and Other Wings, 2013. Image courtesy of The Alternative Vision.

Christine Ay Tjoe sangat menentang orang-orang sezamannya di Indonesia seperti I Nyoman Masriadi dan Handiwirman Saputra. ‘Lalat Kecil dan Sayap Lain’ memiliki estimasi tinggi $ 154.120 di Penjualan Abad ke-20 Phillip & Seni & Desain Kontemporer pada tahun 2017. Itu kemudian direalisasikan pada lebih dari 700% dari perkiraan ini dengan harga palu $ 1,25 juta.

Salah satu seniman Indonesia yang paling menonjol, karya-karya Ay Tjoe memancarkan ciri-ciri abstraksi. Ini termasuk dunia pikiran internal, perjuangan melankolis, rasa sakit dan kebahagiaan yang terwujud melalui latihannya dan ke kanvas dinamisnya.

Tomoo Gokita, Scorn, 2011

Tomoo Gokita, Scorn, 2011. Image courtesy of Japan Times. 

Karya-karya abstrak Tomoo Gokita sangat menyatu dengan figuratif. Pada pameran tunggal museum pertamanya yang mengesankan di Kawamura Memorial DIC Museum of Art di Chiba pada tahun 2014, ‘Scorn’ dikutip oleh banyak orang sebagai lukisan terkuat pertunjukan itu. Lukisan ini “menyeimbangkan dengan sempurna daya tarik melankolis dari gradasi abu-abu yang lembut, mengingat foto yang tidak fokus, dengan wajah yang tidak jelas (gambar yang berulang dalam lukisannya)”.

Dalam lukisan abstrak lain yang berhasil dalam pertunjukan berjudul ‘Kushiyaki Class Reunion’, kami mencatat bagaimana ia menghindari ekspresi umum abstraksi. Dia bahkan menjelaskan lebih jauh bagaimana “abstraksi langsung akan memalukan.” Kehadiran Gokita sebagai seniman abstrak tetap kuat di pasar lelang kontemporer saat ini.

Hilma Af Klint, Altarpiece nº1-3, 1915

Hilma Af Klint, Altarpiece nº1-3, 1915. Image courtesy of the Guggenheim. 

Meskipun posting ini adalah tentang karya seni paling terkenal dalam 100 tahun terakhir, kami merasa daftar kami tidak akan lengkap tanpa menyebutkan seri ini oleh Hilma Af Klint.

Berasal dari Swedia, Hilma Af Klint tidak pernah berani menunjukkan pekerjaannya kepada orang-orang sezamannya dan bahkan meminta agar mereka dirahasiakan setidaknya selama 20 tahun setelah kematiannya. Akibatnya, ia tidak dikenal sebagai seniman abstrak pada masanya – tetapi sekarang ia, dengan banyak yang membuktikannya sebagai perintis bersama orang-orang sezaman seperti Wassily Kandinsky. Selama bertahun-tahun sebagai seniman, Af Klint menghasilkan lebih dari 1.200 lukisan bersama 150 buku catatan dengan pemikiran dan studinya tentang abstraksi, spiritual, dan ide-ide filosofisnya.

Seri Altarpiece diproduksi dengan tepat sebagai karya terakhir untuk Paintings of the Temple. Mengikuti secara konsisten dengan tema-tema spiritualitas dalam praktiknya, karya-karya ini hampir merupakan diagram dan abstraksi dari ide-idenya, mewakili interpretasi Af Klint tentang dunia yang tak terlihat dan kekuatannya yang tak terlihat. Af Klint telah lama tertunda retrospektif di Solomon R. Guggenheim Museum, New York dari 2018 hingga 2019 dengan tepat menyoroti seri ini bersama dengan tubuh kerjanya dari tahun 1906 hingga 1920.

sumber : theartling.com

Latest articles

12.6k Followers
Follow

Related articles